ProgettoShopBagutta prende forma all’inizio del 2021 su volontà di alcuni artisti facenti parte dell’omonimo Gruppo Culturale milanese, garante dell’idea. Sullo sfondo di un contesto storico fortemente segnato dall’emergenza sanitaria Covid-19 e di una società cambiata e distante un unico obiettivo ha mosso la volontà di questi artisti: creare una vetrina virtuale per ridare vita all’arte, luminosità ai colori, visibilità ai soggetti e spazio alle emozioni. Una mostra vera e propria, da visitare nella comodità e nella sicurezza delle proprie case, per permettere a ognuno di noi di riscoprire la bellezza delle cose e a ogni singolo artista di continuare a raccontarsi. Il progetto vuole essere un ritorno alla vita di un tempo, una galleria d’arte dagli alti soffitti, nel centro storico di ogni città, dove poter ammirare e fare propria ogni forma di pittura e scultura. Opere e artisti sono a portata di click, disponibili sul vostro schermo, per stupirvi e accompagnarvi in questo viaggio oltre i confini…

Da quarant’anni il Pittore Amodeo sbalza il rame dando allo stesso forme che riproducono paesaggi, natura, personaggi. Essendo di nascita milanese, è particolarmente affezionato alla sua città. Di Milano ha rappresentato alcuni scorci a lui tanto cari, soprattutto quelli che riguardano i navigli. Nei tram che ha riprodotto, vede una Milano lavorativa, il traffico caotico, il contatto con la gente e la forma accattivante del tram stesso. Alcune scene riprese nei musei lo hanno ispirato. Visitando alcuni luoghi è rimasto impressionato dallo loro bellezza ed ha voluto rappresentarli. Amodeo è un artista autodidatta; nel tempo ha sempre fatto della ricerca cercando di migliorare la sua tecnica, facendosi da sé utensili par lavorare il rame, trovando sempre materiali nuovi per l’assemblaggio dei suoi quadri. Il rame ormai rappresenta per lui un modo di esprimersi, e con la passione e la pazienza occorrenti non riesce a staccare gli occhi da ciò che gli piace finché non è riuscito a imprimerlo nel rame.

Luciano Curtarello nasce a Milano nel 1965, città dove ancora risiede ed opera. La sua formazione passa attraverso studi che hanno a prima vista poco a che fare con l’Arte del dipingere; infatti studia prima come geometra e poi terminato questo ciclo come grafico pubblicitario; ma questa “preparazione” ricca di fondamenti di geometria e prospettive, per poi passare ai pieni e vuoti di un’impaginazione, ai contrasti cromatici, alle luci e alle ombre, si trasformano nell’attuale forma artistica intrapresa. La sua opera si focalizza soprattutto in due distinte direzioni, i “paesaggi urbani e non”, e nel ritratto di figure femminili, i “momenti”. A voler usare una definizione corrente, si potrebbe parlare di digital painting, ma questa definizione copre solo l’iniziazione di ogni sua opera. Una forma d’ arte in cui l’estro dell’autore non si esprime solo tramite il tratto d’un pennello reale, ma anche per mezzo di strumenti tecnologici che possono interpretare una vastissima libreria di pennelli e tecniche di ogni tipo - dalla tempera, all'olio, all'acquerello, all'aerografia - e impiegare tavolozze di colori infinite. Successivamente, interventi manuali, che recuperano metodi tradizionali e fondono nuovo e antico in un tutt’uno, concludono l’opera. Del resto, da sempre gli artisti sono tentati da processi e materiali eterogenei, realizzando opere a tecnica mista (collage e pittura, spesso) o opere polimateriche (con colori uniti a tessuti, carte, materiali inerti, oggetti).Fa parte di gruppi artistici ed espone in varie Mostre a “cielo aperto” ed in Gallerie, quali «Fondazione De Nittis» a Barletta e «OnArt Gallery» a Firenze, oltre che nella sede storica del Gruppo Culturale Artisti di Via Bagutta a Milano di cui fa parte, oltre che a mostre personali in Milano e non. Il favore del pubblico verso la sua opera, si manifesta con premi “minori” come riconoscimenti di giurie “popolari” in vari concorsi e manifestazioni., Bagutta in primis.

Nata a Lipsia in Germania, si sposa e vive con la sua famiglia a Carimate (Co). Riprendendo una naturale dote per la pittura, nel 1998 s’iscrive all’Accademia di Brera e frequenta il corso di pittura della Scuola degli Artefici con la professoressa - pittrice Luciana Manelli e termina con un Diploma. Partecipa alle esposizioni del Gruppo Culturale Pittori di Via Bagutta e del Naviglio. Opera a Milano ed in Toscana, dove è impegnata in numerosi programmi d’Arte, mostre personali e collettive. Mostre collettive 1999 - Galleria GTL Ponte Chiasso 2000 - Galleria GTL Ponte Chiasso 2001 - Accademia di Brera - Milano : Mostra Parini 2002 - Gruppo Pittori Bagutta - Milano 2003 - Gruppo Pittori Bagutta - Milano 2004 - Gruppo Pittori Bagutta - Milano, antica chiesetta di Baranzate e nella Fortezza medicea di Cortona, Legnano : 1° concorso di pittura 2005 - Gruppo Pittori Bagutta e del Naviglio - Milano, Legnano : 2° concorso di pittura 2006 - Galleria Minerva di Perugia; Gruppo Pittori Bagutta e del Naviglio - Milano 2007 - Basilica di Santa Maria, sagrestia del Bramante, Milano - Gruppo Pittori Bagutta Galleria Chagall, Milano - Camminarte, Brunate (CO) - Villa Igea, Locarno - Palazzo Cusani (MI) 2008 - Gruppo Pittori Bagutta e del Naviglio, Milano - Asco Duomo 2009 - Gruppo Pittori Bagutta e del Naviglio, Milano - Asco Duomo - Mostra «Centofirme», Lissone - Archivio del ‘900 (MI) - Mostra cafè Gallery (MI) - Mostra Guicciardini (MI) 2010 - Gruppo Pittori Bagutta e del Naviglio, Milano - Asco Duomo 2011 - Gruppo Pittori Bagutta e del Naviglio, Milano - Asco Duomo - Galleria OpenArt (MI) - Hotel Enterprise 2012 - Sondrio, Sala Comunale - Gruppo Pittori Bagutta e del Naviglio, Milano - Crocifissione al Cenacolo di Bagutta 2012 - 2015 - Mostre collettive a Milano e Torino. Mostre personali 2000 - Centro Arte e Cultura Sarteano (SI) - Galleria GTL, Ponte Chiasso 2001 - 2002 - 2003 - Centro Arte e Cultura Sarteano (SI) 2004 - «Arte Contemporanea», Fortezza medicea, Cortona 2005 - Galleria Minerva (PG) - Torchio Carimate con il patrocinio del Comune 2006 - «San Pietro» via Varese (MI) - «COVA», via Montenapoleone (MI) 2016 - Galleria, c.so Porta Ticinese (MI) a cura di Valentina Cavera Concorsi e premi 2005 - 2° concorso di pittura a Legnano 2008 - Concorso per «VERGA», premio a Palazzo marino (MI) 2009 - Concorso «Infortunio sul lavoro» - Premio nazionale New Holland 2010 - Mostra «Ciclisti», aspettando il Giro d’Italia a Bormio

Karin Feurich risveglia il suo istinto pittorico in modo del tutto naturale, l’artista appare con l’esuberanza pittorica che distingue le sue opere. Tratti carichi di emotività espressiva, volutamente attenti al particolare, che conducono la sua dimensione pittorica in un universo multicolore, dove le sue deduzioni assumono la forma desiderata, per dare vita a tratti somatici con i segni dell’anima. La sua pittura è ricca di impostazione tecnica ma anche di una spiritualità culturale. Karin Feurich è un’artista che sa bene la definizione del fare Arte; quella cioè di agire in assoluta libertà, senza ruoli prefissati ed accademistici, che a volte atrofizzano la frizzante energia della creatività instintiva Ennio Romano Francesco Arcangeli, il grande storico dell’arte, ebbe a scrivere a proposito di Giorgio Morandi che:”….L’arte, prima che un momento autonomo e distinto dello spirito umano è una traduzione ‘specifica’ e adeguata d’una determinata concezione della vita generata da un determinato esistere nella vita”. A me pare che simile definizione sia estremamente adeguata e calzante per definire, determinare e circoscrivere l’arte pittorica di Karin Feurich che nei suoi eccellenti lavori riesce a dar vita ad una propria personalissima, poetica in quanto espressione di una concezione della vita nata da un determinato, e tutto suo, modo di proporsi e di porsi alla e nella vita. Da tutto ciò prende vita una singolare creazione poetica nella quale la brava pittrice, tedesca di origine ma oramai italiana per adozioni e affetti, profonde i sentimenti più veri e più intimi del proprio essere donna, e artista, riuscendo a proporre una pittura di forte impatto estetico, di gradevole piacevolezza e di sicura resa emotiva. Karin Feurich, nei suoi bei lavori ad olio riesce a tal punto ad immedesimarsi con quel particolare scorcio, quella singolare luce, quel caratteristico paesaggio, quella peculiare tonalità coloristica, da divenire essa stessa parte integrante e sostanziale della propria opera pittorica, da confondersi con quelle tonalità, quelle luci, quelle poetiche presenze che la sua anima riesce a cogliere, la sua mente a sintetizzare e la sua mano a tradurre in colorate pennellate cariche di partecipazione e amore. Insomma nella pittura della Feurich si può cogliere la grande sensibilità dell’artista, la partecipata commozione della donna, la sagace perizia della pittrice in un fondersi e amalgamarsi di emozioni, impressioni, considerazioni, desideri e poetiche speranze. Luciano Lerpri

mi presento...... Sono nata a Milano, ho studiato prima al liceo artistico dell’Accademia di Brera e poi ho conseguito la Laurea in Architettura al Politecnico di Milano. Ho sempre preferito però un’attività più strettamente legata alla creatività ed all’uso del colore piuttosto che un’attività in campo architettonico. Ho privilegiato quindi questa attività e parallelamente mi sono dedicata all'insegnamento, sempre più gratificata dal contatto con chi scopre le proprie potenzialità. Nelle mie opere rappresento spesso il paesaggio urbano. Le architetture vengono colte nei loro tratti salienti e rielaborate, il protagonista è il colore, che viene piegato ad un uso antinaturalistico per rispondere alle esigenze del ricordo più che a quelle dell’occhio. Le linee sono ripetute in maniera continua, caratterizzata dalle sovrapposizioni e impreziosite dall’uso studiato del colore, quasi a sconfinare nell’astratto. Nelle opere più recenti l'elemento figurativo si perde sempre più in una composizione di forme e colori. Gli ultimi lavori mostrano un moltiplicarsi di immagini che si affastellano come i ricordi che affollano la memoria, quello che ormai mi interessa è partire da un elemento figurativo, e spingere il processo di astrazione a uno stadio quasi incontrollabile. Ho trovato nei colori acrilici la risposta tecnica alle mie ricerche sul colore. Uso quindi sempre colori acrilici su tela, con larghe campiture di colore uniforme per eliminare ogni riferimento fotografico alla realtà e concentrare l’attenzione sull’accostamento dei colori. Alcune recenti partecipazioni: • Pinacoteca d'Arte Contemporanea "Galante Civera" Margherita di Savoia, • Premio Amalfi, "i colori dell'acqua" a Ferrara, • "I colori della vita" a Milano, • " via Pacis" collettiva U.C.A.I. Milano Palazzo Cusani • Museo d’arte contemporanea Parisi Valle di Maccagno. • Forma e colore allo Spazio Guicciardini di Milano • Concorso “Adotta un paesaggio” Regione Calabria per la costituzione del museo del paesaggio • “Le città della mente” al Municipio vecchio di Cologno Monzese Nella collettiva "Trait d'union" alla galleria Jansonius di Lugano ho presentato per la prima volta le opere dedicate alla città di Milano. • Collettiva Open Art Milano • Collettiva “Milano Sondrio andata e ritorno” Palazzo della Provincia di Sondrio • Collettiva “Il viaggio” Biblioteca Valvassori Peroni di Milano Alcuni concorsi: • 2008 Concorso “Agazzi” per la sezione estemporanea da internet premio collezione privata, • Concorso per la realizzazione di un bozzetto per l'impugnatura della lancia della Giostra del Saracino di Arezzo 1° premio, • premio Litta organizzato dal Comune di Milano 1° premio, • Concorso “Piero della Francesca” Arezzo 3° premio, • Yosemite Renaissance Juried annual exhibition Dal 2004 ho approfondito la tecnica della pittura murale eseguendo alcune opere di grandi dimensioni: • un murales nell'oasi naturalistica di Crava, • due pitture murali a Sommo (il paese dell'asino), • la partecipazione al progetto "Parlasco un borgo affrescato”, • e nell’estate 2009 e 2011 la realizzazione di due murales a Lasino: “Storie di uomini e animali alla ricerca del senno perduto” • nel 2010 la realizzazione di un murale a Tramonti “il tempo che fu...” • partecipazione al concorso per un murales a Roccagorga in occasione del centenario dell'eccidio, realizzato nell'agosto 2013.

“Itala Gasparini espone figure, fiori; dipinge con effetti di luce contrastanti ed efficaci; nelle figure disegna con spiccato talento costruttivo. Le sue figure sono essenzialmente luce e colore. Luce e colore sono altresì il parametro attraverso cui si sviluppa l’intera pittura estesa all’indagine della natura umana” Gianfilippo Usellini 1968 Itala Gasparini propone soprattutto paesaggi, vedute che vanno lette come ricordi di viaggi e che si collocano al di là di una figurazione banalmente oleografica grazie ad un’attenzione speciale nei confronti della lezione delle Avanguardie. I colori sono stesi puri e piatti alla maniera dei Fauves, in particolare di Matisse. Inoltre la composizione si presenta stilizzata, essenziale, portata ai confini dell’astrazione… ...ma nei dipinti della Gasparini, oltre alle montagne e alle marine, interpretate secondo un decorativismo squisito, ridotte a motivi arabeschi e a rapporti spaziali, compaiono vedute di città: ad esempio la cattedrale di Chartres, evocata nella luce soffusa e violacea del tramonto e scorci di Praga, città magica per antonomasia. In effetti Itala Gasparini ci proietta in un mondo del tutto interiore in cui il ricordo della realtà diviene puro pretesto formale” Gabriele Turola, Ferrara, maggio 2000 Dipingere l’architettura Nei quadri di Itala Gasparini traspare in maniera evidente lo studio analitico e scientifico delle strutture dell’architettura, ereditato dalla formazione universitaria. Tuttavia le linee precise e articolate degli edifici sono arricchite e quasi trasfigurate dal colore. Il sapiente intreccio delle forme svela l’occhio osservatore e attento dell’architetto, ma gli accostamenti cromatici, la cura per l’armonia, le corrispondenze con i colori dello sfondo sono dovuti all’occhio dell’artista. Le chiese gotiche diventano viola o blu, le abitazioni si distribuiscono sui quattro lati della tela, le linee spezzate sono equilibrate dalle curve deli alberi e i campanili svettanti ricreano con il loro rosso squillante il suono delle campane. Le architetture vengono colte nei loro tratti salienti e rielaborate attraverso la voce del ricordo Stefania Meazza 2007 "Nei dipinti dedicati a Milano l'attenzione è concentrata sulla dualità del grigio e dei colori caldi, come il rosso o l'arancione. Tra i soggetti preferiti si nota una predilezione per i monumenti della modernità, accostati tuttavia anche da testimonianze storiche, come il Castello Sforzesco o i tram arancioni. Invece di soffermarsi sull'uggiosità delle sue strade e della sua edilizia, il pennello della Gasparini ne mette in luce gli angoli suggestivi, attraverso il diaframma del ricordo e dell'affetto che nutre per una città che rimane pur sempre la sua città natale" Stefania Meazza 2010 Gli ultimi lavori di Itala Gasparini sembrano essere debitori alla teoria dell'arte astratta delle avanguardie di inizio secolo. Nell'evoluzione pittorica dell'artista, dalla rappresentazione di paesaggi o architetture in cui le linee di forza e i principali elementi compositivi sono sottolineati dal colore, si passa a una semplificazione estrema delle forme, che porta progressivamente all'astrazione geometrica. Tuttavia, l'uso di superfici piatte di colore uniforme, talvolta percorse da sfumature delicate già visibili in alcuni lavori precedenti, costituisce un elemento costante tra la produzione precedente e queste nuove prove. Queste ultime opere sono comunque da leggersi alla luce dell'intenzione radicale di allontanarsi da una lettura naturalistica e illusionista del dato sensibile (che sia paesaggio o natura morta). Questo è già in parte enunciato dall'uso personale del colore nella produzione precedente, che, non riferendosi più all'oggetto, assume una funzione puramente espressionista. Se in alcuni lavori è ancora evidente il riferimento al dato naturale in altri la geometrizzazione è spinta all'estremo, senza tuttavia lasciare spazio a una semplificazione minimalista. Il punto di partenza è spesso il quadrato, deformato, messo in movimento in vortici o onde, ma sostanzialmente organizzato secondo una composizione rigorosa a forma di griglia. Anche la gamma dei colori, da calda e morbida, si fa via via più acida e satura e tradisce una tendenza verso tinte più metalliche, ottenute per sovrapposizione di più piani di colore e forme o per complementarità di piani successivi. Alla base di questi ultimi lavori c'è il fascino per un certo tipo di estetica che si trova all'incrocio tra la computer art, la grafica digitale e l'editing. Questo approccio all'astrazione ha rinnovato fortemente, da una trentina d'anni a questa parte, la pittura astratta, dopo l'avventura spirituale e sperimentale di inizio secolo, l'informale degli anni Cinquanta e l'astrazione minimalista delle Neo Avanguardie. Il pixel, da elemento costituente dell'immagine, diventa modulo di partenza per la composizione di queste ultime prove, formandone la base. Il computer, che già da diversi anni viene utilizzato da Itala Gasparini nella fase preparatoria dei suoi lavori su tela, diventa qui vero e proprio strumento non solo di sperimentazione, ma anche di realizzazione. Sostituendosi al pennello, come una «protesi mentale», permette distorsioni, elaborazioni, effetti speciali, altrimenti impossibili con i metodi tradizionali. Stefania Meazza 2017

Guido Marcello Poggiani, raccontare di oltre 30 anni di esperienza artistica incominciano dagli studi e i suoi 2 diplomi (con lode) come Arredatore Progettista, per poi tuffarsi nei 7 anni come aiuto macchinista litografo (ed esperienza tipografica, rilegatura, linotipia...ecc.) fino ad approdare nel 1987 alla grafica con i tecnigrafi per poi arrivare ad oggi, sarebbe veramente lunghissimo il racconto. Accenniamo solo che inizia la sua attività artistica nel 1988 con personali e collettive Nazionali e Internazionali, con Lion Club, Unicef, BNL, ex Martinitt... Organizzatore e ideatore di eventi come un asta di Beneficienza con la casa d'aste Porro di Milano, dell'evento Milano che si Muove con lo scomparso Cav. Francesco Ogliari, calendari con i ex Martinitt, evento a tappe Immaginidi Ieri e di Oggi e tra gli ultimi "RIGENERaRT" da rifiuto ad opera d'arte, mostre d'arte con laboratori di riciclo creativo. Le sue opere molto grafiche nella realizzazione si legano al mondo del mare o l'elemento "acqua" in molti casi con il quadro nel quadro, PostART, FoodArt e altre serie le gocce d'acqua realizzate in modo iper-relista si affiancano alle sue opere a volte surreali come la Fattoria Marina. Merito anche della sua passione per la grafica e la sua esperienza dei "Trompe L'Oeil" che lo ha portato anche all'estero per diversi lavori, per ultimo l'evoluzione sulle sue Vespe. Presidente dell'Ass. GuizArt APS dal 1994, Presidente del Gruppo Bagutta dal 2015 e responsabile di ArTéGalleria nel contesto del Progetto Artepassante con capofila l'Associazione Le Belle Arti APS. Non mi rimane altro che invitarvi a visitare, per conoscere di più di lui, le sue opere e la sua vita i suoi vari link di siti, social e video: http://www.poggianiguido.it http://www.guizart.it https://www.dailymotion.com/guizart https://www.youtube.com/pittoreguizart https://twitter.com/GuidoPoggiani

Laura è nata e si è formata a Milano, dove vive. “Fin da bambina mio padre mi ha insegnato a ricreare tutto ciò che lo sguardo assimila”. È da questo insegnamento, unito alla passione per i colori e per i materiali, che nascono le espressioni artistiche di Laura Ramenzoni. In pittura, i fiori e la campagna, riprodotti con le tinte calde tipiche del mondo agreste, denotano il piacere nel dipingere la natura in tutte le sue forme ed espressioni. In un mondo dove sembra esserci spazio solo per l’innovazione e per la modernità, i lavori di Laura sembrano mostrare un amore per il “vecchio”, che trasmette un messaggio, un messaggio di vita vissuta. Questo amore si esprime anche nella scultura, che utilizza il Raku, una antica tecnica giapponese di lavorazione della ceramica, applicata sia a sculture vere e proprie sia a creazioni di gioielli definite “sculture da passeggio”. Per le sue creazioni, definibili come una “sinergia di materiali”, Laura utilizza qualsiasi materiale: legno, ferro, rame, creta ecc.; presi singolarmente sono così diversi fra loro, ma dopo essere maneggiati e rimaneggiati, messi uno accanto all’altro, uniti, fusi, modellati, creano e trasmettono significati e sensazioni intensi ed inaspettati. Laura è membro del Direttivo del Gruppo Culturale Artisti di Via Bagutta Milano. Da più di 20 anni espone in prestigiose rassegne ed eventi culturali: Bagutta, personali, collettive, Navigli, Fabbrica del Vapore, ArteGenova 2020 ecc. Nelle creazioni, definibili “sinergia di materiali”, utilizza qualsiasi materiale: legno, ferro, rame, creta; presi singolarmente sono diversi fra loro, ma uniti, fusi, modellati, creano sensazioni intense ed inaspettate.